3 expos monumentales à voir absolument au festival Voyage à Nantes

Chaque année depuis 2012, Le Voyage à Nantes propose un parcours d’œuvres d’art exposées dans l’espace public et au cœur d’institutions muséales nantaises à travers trois parcours, dont l’un allant jusqu’à Saint-Nazaire : en ville, hors centre et estuaire. Le temps d’un été, la ville est investie et transformée par la créativité de nombreux·ses artistes internationaux·ales.

Cette huitième édition présente les œuvres d’une soixantaine d’artistes : Roman Signer, Richard Mosse, Claire Tabouret, Malachi Farrell, Tadashi Kawamata et ses nids, Eva Jospin, Benoit Rondot, Flora Moscovici, Cécile Beau, Evor et sa jungle dans la ville, Stéphane Vigny et ses statues sur la Place Royale, Pierrick Sorin, pour n’en citer que quelques-un·e·s. Coups de cœur pour trois d’entre eux.

Richard Mosse, “Incoming”

Après son projet The Enclave, réalisé auprès de soldats congolais en ayant recours à des pellicules infrarouges qui donnaient un rendu rose surréaliste aux paysages de Brazzaville, Richard Mosse continue son exploration des armes militaires à travers l’exposition “Incoming”.

Au Lieu Unique, le photographe irlandais présente deux œuvres dans lesquelles il a exploré la technique de la caméra thermique militaire, qu’il utilisait comme un appareil photo. Pesant 80 kg et pilotée par un ordinateur, cette caméra à l’objectif de longue focale est utilisée dans le domaine exclusivement militaire et sert aux forces armées pour détecter la chaleur humaine, faire des repérages, identifier des groupes de personnes, étudier des mouvements, observer les frontières, de loin, généralement à une trentaine de kilomètres environ.

Richard Mosse se positionne donc à l’opposé de la démarche militaire, en détournant un objet lourd censé rester caché, et souvent transporté par des avions :

“Elle est destinée à l’origine à la surveillance, l’identification, la poursuite et la visée, afin de renforcer les frontières, contrôler les populations ou cibler les ennemis. L’artiste en fait un outil de divulgation, l’arme d’un autre combat, celui d’exposer les victimes des conflits. […]

De fait, Mosse renverse et surligne. Il détoure, fait apparaître et invoque les exilés tels des spectres, présents autour de nous mais absents de notre monde. Ils vivent dans les limbes de notre société. Ils brillent pourtant de vie – c’est leur chaleur et leur circulation sanguine qui les rendent visibles ici – indiquant que nous avons affaire à nos semblables, et que dans d’autres circonstances nous pourrions nous trouver à leur place”, explique Patrick Gyger, commissaire de l’exposition.

L’artiste l’a d’ailleurs transportée avec lui, sur des routes, dans des camions, et il rencontrait, dans certains pays, des difficultés à importer cette technologie militaire. Il exploitait cet outil initialement statique comme une caméra embarquée avec une Steadicam, tenue sur le dos de son directeur de la photographie Trevor Tweeten, et pilotée par un contrôleur de jeu vidéo.

Ses deux travaux, intitulés Heat Maps et Incoming, ont pour origine les vagues de migrations à partir de 2014 – causées par la guerre, les persécutions, le changement climatique –, mais aussi le “caractère brûlant de ces récits urgents de déplacement humain”. Mosse a documenté deux itinéraires d’exil massifs, le premier provenant de l’Est (Syrie, Irak, Afghanistan via la Turquie), et le second provenant du Sud (du Sahel à la Libye via le désert du Sahara).

Cela fait donc maintenant cinq ans qu’il travaille sur ces deux créations, en proposant deux versants d’une même réalité avec d’un côté, les infrastructures et camps liés à la migration, et de l’autre, l’humain et les expériences.

La première création est une série de 20 photos (mais seulement 8 sont exposées au Lieu Unique) qui passe en revue des camps de réfugié·e·s à travers de grands tirages réalisés sur papier argentique, sans retouche, pour un rendu similaire à l’esthétique de la caméra thermique. Richard Mosse a posé son appareil thermique dans la Jungle de Calais en France, à Berlin, dans des camps au Liban, ou à Athènes…

Pour former ces fresques, il a assemblé et collé plusieurs centaines d’images numériques d’une même scène prise à quatre ans d’écart, pour suivre l’évolution de ces camps, les trajectoires de ceux et celles qui les peuplaient. Quand on s’approche, une multitude de détails de ces vies minuscules se dévoilent sous nos yeux.

En regard, la seconde création est une installation vidéo gigantesque et immersive, diffusée sur trois écrans, qui témoigne des épreuves surmontées par les migrant·e·s qui tentent de survivre dans leur course à l’Eldorado. Avec le même outil, l’artiste s’est donc placé cette fois-ci au plus près des personnes qui migrent, tissant de vrais liens avec celles-ci, afin de révéler leurs sensations et leurs sentiments, – et en ne respectant évidemment pas la distance des trente kilomètres préconisée par les militaires.

Des images de migrants dans des camions, sur des pneumatiques, ou en train de se faire secourir en mer défilent au ralenti, sur une musique atmosphérique et électronique de Ben Frost – à qui nous devons la bande originale de la série allemande Dark. Ce temps ralenti, passant de 60 à 24 images par seconde et couvrant les 50 minutes du film, n’est pas le rythme habituel de la caméra thermique : il a été instauré par l’artiste pour travailler la matière audiovisuelle de manière plastique, et ne pas se limiter à une approche documentaire.

Les trois écrans se répondent comme un triptyque hypnotisant : en passant une même scène soit sur des temporalités légèrement décalées, soit à travers des angles différents. Les histoires s’assemblent comme un puzzle, leur sombre réalité se déroule devant nos yeux de spectateur·rice·s, assis·ses dans un musée.

Claire Tabouret, “If Only The Sea Could Sleep”

Au Hangar à Bananes, Claire Tabouret, une artiste peintre et sculptrice française, présente son exposition “If Only The Sea Could Sleep”. En découvrant ce lieu d’exposition haut de plafond, tout en longueur et en puits de lumière, en plein cœur de l’île de Nantes, l’artiste s’est demandé comment elle pouvait exploiter ce lieu si monumental sans le cloisonner.

Très attachée à la mer, elle a donc eu l’idée des voiles de bateaux, s’inscrivant dans le contexte du chantier naval nantais mais aussi en écho au port de Los Angeles, dans la baie de San Pedro, où elle a récupéré des voiles usées, destinées à être jetées. Ces voiles, qu’elle a travaillées comme des patchworks “découpés, tendus, recousus”, dans son studio à Los Angeles, ont été exploitées exclusivement avec des matériaux et outils qu’on retrouve dans des magasins de bricolage, en lien avec le monde marin, comme de l’huile, du vernis, de la peinture, à l’opposé de ses tableaux habituels dans un style plus “beaux-arts”.

Claire Tabouret y représente des silhouettes sur une plage, en explorant le thème de la “lutte comme métaphore de la relation amoureuse”. Le visiteur·euse déambule dans une histoire d’amour, de voile en voile suspendue, et ne peut qu’imaginer les scènes qu’il voit : lutte ou amour fougueux, jeux d’enfants ou rupture charnelle et douloureuse…

“J’accumule sans cesse beaucoup d’images, et la peinture se déclenche lorsque surgit une part d’interrogation, lorsque je ne peux plus m’en débarrasser ; je peins ce que je ne vois pas.”

Tantôt Claire Tabouret aime jouer avec la transparence, tantôt elle préfère peindre la voile recto verso. Elle a ensuite fait importer en France toutes ses œuvres, évoquant ainsi l’idée du voyage. “C’est une exposition qu’elle peut emmener partout avec elle, dans une grande valise”, nous explique la médiatrice du Hangar à Bananes.

Autour des voiles qui respirent et s’alternent au sein de l’espace d’exposition, on peut voir des monotypes sur lesquels elle a dessiné des silhouettes en pressant ses pochoirs de figures humaines sur du papier et du plexiglas, et en y mêlant des collages.

Sa technique varie mais l’impression de relief subsiste, alliant couleurs sombres et stridentes. Elle navigue de tableau en tableau, en quitte un pour en débuter un autre – comme dans une relation amoureuse. Pour les monotypes, elle réalise un travail qui s’inscrit dans la durée : elle doit attendre trois semaines de séchage pour pouvoir les reprendre et les achever.

Inspirée par des images de corps en mouvement tirées de films et par la poésie – surtout celle d’Adonis, un poète syrien passionné par la mer mais qui a fait polémique pour certains propos sur la religion musulmane –, Tabouret a fait appel à deux amis compositeurs pour baigner son exposition d’une atmosphère sonore similaire à la quiétude de l’océan : Aska Matsumiya et Alex Somers.

En fonction de la lumière, l’atmosphère change : quand il y a du soleil, la lumière se diffuse tout autour des voiles, et donne une ambiance de vacances. Quand il fait gris, son univers poétique apparaît comme plus angoissant et pesant.

Malachi Farrell, “Hooror Hits”

Parfaitement situées au Blockhaus DY.10, les cinq installations du sculpteur, électronicien et mécanicien français Malachi Farrell sauront vous surprendre. Aimant travailler en système D mais avec une expertise technologique qui lui est propre, Farrell réalise de A à Z des œuvres atypiques et robotisées. Comme un savant fou, son univers oscille “entre machineries maladroitement bricolées et dispositifs […] pointus”.

“En concevant toutes les étapes de fabrication de ses œuvres, Malachi Farrell s’attache à défendre une pratique artistique où matériaux et sujets s’enchevêtrent pour dénoncer un monde soumis à la standardisation et la répétitivité, se livrant à son autodestruction programmée.

Illustrant un état de surchauffe de la société, les chorégraphies lumineuses et sonores des machines et objets articulés qu’il met en scène accomplissent tout à la fois le rôle d’acteur, de décor ou d’accessoire.”

Sans corps réels, les installations-robots qu’il présente ici sont des petites saynètes qui empruntent au registre parodique, burlesque et satirique pour mettre en lumière les tragédies et la violence de ce monde. Clapping Boots nous accueille grâce à un radar de mouvement qui fait claquer deux paires de bottes mécanisées, censées appartenir à des soldats – et à un enfant. Un salut militaire qui fait référence à l’histoire du Blockhaus construit durant la Seconde Guerre mondiale, à la montée des régimes autoritaires dans le monde et à la misère des enfants soldats.

Strange Fruit rappelle sans détour la ségrégation et la souffrance endurées par les noirs aux États-Unis, en référence au poème de l’enseignant juif communiste Abel Meeropol, écrit en 1937, devenu un des plus grands réquisitoires artistiques contre les lynchages et au sein du mouvement des droits civiques. L’installation se matérialise sous la forme d’un arbre suspendu, composé de nombreuses chaussures, sur la voix de Peter Sellers chantant une version plus âcre de “She Loves You” des Beatles, qui résonne comme un “She Laughs You” (“Elle t’aime/Elle se moque de toi”).

Charmeur de serpents montre deux pistolets levés comme des serpents, qui s’embrassent au lieu de tirer, sur une musique de clarinette. Le dispositif fonctionne comme une critique de la technologie avancée dans les techniques de combat automatisées, qui ne requièrent aucune implication humaine directe.

Dancing Camera sont des caméras de surveillance qui visent, avec un bruit d’arme à feu, les visteur·euse·s, sur un son de rap US, de sirènes de police et du “fuck off” du chef britannique Gordon Ramsay. Elles dénoncent notre société de surveillance banalisée, et la violation de la vie privée à l’ère numérique.

Et enfin, dans Obsolescence, le spectateur·rice assiste à un procès, extrait d’un épisode de la série The Twilight Zone, qui accuse “un libraire d’être obsolète dans un état totalitaire”. Malachi Farrell fait ici écho à “l’obsolescence galopante” au sein de notre société de consommation et de production de masse.

Voyage à Nantes, festival à découvrir jusqu’au 1er septembre 2018.

Cet article a été écrit suite à un voyage de presse.